PROFESORADO DE ARTES VISUALES DEL INSTITUTO SUPERIOR SANTA ANA-

Olazábal 1440-Belgrano CABA- Argentina




Que la inspiración te encuentre trabajando.

Pablo Picasso

viernes, 5 de septiembre de 2014

CARLOS GORRIARENA EN LAS SALAS NACIONALES DE EXPOSICIÓN

Se está llevando a cabo en las salas del Palais de Glace, (Salas Nacionales de Exposición), una muestra retrospectiva del pintor y dibujante Carlos Gorriarena, quien falleciera en Uruguay en el verano de 2007 a la edad de 81 años.












Cuando se produjo su fallecimiento, aparecía en el diario LA NACIÓN el siguiente comentario que resume en parte su espíritu y el de su obra:

"Nacido en Buenos Aires, maestro del color conocido por su paleta encendida, de contornos difusos y deformantes, el estilo de Carlos Gorriarena descolló por la fuerza expresiva de un realismo crítico, de actitud denunciante e impronta irónica y mordaz. Con más de treinta exposiciones individuales, expuso en el país, Brasil, México, Canadá, Francia y Madrid, donde residió durante 1971.
Participó en casi 200 muestras colectivas, y entre los numerosos reconocimientos a su labor pictórica ganó el Gran Premio de Honor del Salón Nacional, en 1986. En 1989 se hizo acreedor de la Beca Guggenheim.
Formado en la Escuela Nacional de Bellas Artes bajo la tutela de Antonio Berni y Lucio Fontana, Gorriarena se interesó por la pintura que mostraba una sensibilidad social y así se alejó del establishment académico para proseguir sus estudios en un marco de mayor libertad con Demetrio Urruchúa, un pintor anarquista a quien consideraba "un ejemplo de vida".
Consustanciado con el ideario político de izquierda, alguna vez afiliado al Partido Comunista, del cual fue expulsado en la década del 60, la visión progresista de Gorriarena quedó plasmada en sus lienzos. Retrató sin retaceos y en tono paródico, casi caricaturesco, tanto a los "iconos de la barbarie", militares argentinos de rostros anónimos, como a grandes líderes políticos, eclesiásticos y artísticos, con tono ácido y zumbón.




En su pintura anti idealista, con énfasis en una tipificación de orden social, donde asoma su claro rechazo al hedonismo, al consumismo, la banalidad, los excesos, la corrupción y el autoritarismo, condenó lo que consideraba el derrumbe de los valores espirituales, políticos y morales del hombre por un creciente afán materialista o por la acción de regímenes políticos opresivos .
Observador sagaz y puntilloso, impregnó su paleta de un fuerte sustrato psicológico, subrayando también comportamientos, poses, gestos y actitudes humanas alejadas de la moral para desnudar ciertos hábitos y costumbres decadentes, con una gran variedad de recursos dramáticos.
Una constante de su pintura fue la crónica de la realidad plasmada con escepticismo. Grandes críticos de arte elogiaron su pintura, la calificaron de "pictóricamente muy madura" y rescataron de ella "la sensibilidad que no proviene precisamente de un esteticista, es decir, del que busca la perfección externa", sino del eterno subjetivista, del artista que exacerba "las formas y el color en pos de defender el sustento ideológico que guía su arte. La resultante es una estética que alcanza su punto más alto y revulsivo cuando se aúna con la moral". .

Loreley Gaffoglio- LA NACIÓN
17 de Enero de 2007






























viernes, 22 de agosto de 2014

INSCRIPCION CICLO 2015

                    

                   INSTITUTO SUPERIOR SANTA ANA
                 PROFESORADO DE ARTES VISUALES

     (Plan Resol. MEGC 8582/08; 223/09; 7648/09; 221/10. Disp. 108/2011)















LA INSCRIPCIÓN AL CICLO 2015 COMIENZA EN NOVIEMBRE.

LA CURSADA DE LA CARRERA ES DE 5 AÑOS:
·        1 AÑO DE CICLO DE FORMACIÓN BÁSICA.
·        4 AÑOS DE PROFESORADO CON ORIENTACIÓN EN DIBUJO O EN PINTURA O EN ESCULTURA O EN GRABADO.

-TÍTULOS DE VALIDEZ NACIONAL:
Profesor/a de Artes Visuales con Orientación en Dibujo, o en Pintura, o en Escultura, o en Grabado.


Informes e inscripción : Olazábal 1440- CABA
Secretaría lunes a viernes de 9 a 16hs
www.santaanabellasartes.blogspot.com             arte@isabelgrano.com.ar

martes, 19 de agosto de 2014

El círculo caminaba tranquilo

Obras de la Colección Deutsche Bank en diálogo con obras del Museo de Arte Moderno
Puede visitarse hasta el 30 de julio, en el Museo de Arte Moderno (San Juan 350), de martes a viernes de 11 a 19 y sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Entrada general 15 pesos. Martes gratis.





El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, presenta El círculo caminaba tranquilo, de obras sobre papel de la Colección Deutsche Bank en diálogo con obras del Museo de Arte Moderno.  La exposición, de más de 180 dibujos —con curaduría de Victoria Noorthoorn—, se presentó en la Deutsche Bank Kunsthalle de Berlín entre noviembre de 2013 y marzo de 2014 y llega a nuestro país para ampliar el diálogo con una selección de obras del Moderno. Un encuentro imperdible entre varios de los más destacados nombres del arte de los siglos XX y XXI como Lucian Freud, Joseph Beuys, Piet Mondrian, Marta Minujín, Georg Baselitz, León Ferrari, Kurt Schwitters, Salvador Dalí, Guillermo Kuitca o Louise Bourgeois, entre muchos otros, en una puesta en escena donde la arquitectura desaparecerá para dejar espacio a una sinuosa línea que volará por un fantástico espacio aéreo.



Una apasionada línea, de Berlín a Buenos Aires-
La exposición de Berlín ofreció una mirada curatorial, expositiva e histórica diferente sobre una de las mayores colecciones de obras sobre papel del mundo, la del Deutsche Bank, de más de 70.000 obras. Un acontecimiento artístico que no podía perderse el público de nuestro país y que, en esta oportunidad, se amplía al ingresar en escena el destacado patrimonio de obras sobre papel del Museo de Arte Moderno para generar un diálogo entre artistas europeos, norteamericanos, africanos y argentinos. Todos se encuentran en un espacio que se presenta a la percepción sin límites arquitectónicos, en el cual las obras parecen levitar, meditar, volar, como si fuese la materialización de una escena fantástica surgida de alguna narración entrañable. Ante todo, la exposición —como dice Noorthoorn— recuerda el «llamamiento a imaginar» de la imagen, e invita a preguntarse qué es lo que las imágenes desean, qué es lo que son, cuál es su poder y cuáles son las maneras en que logran hablar del mundo y de la existencia humana.




Grandes nombres y un espacio diferente
El círculo caminaba tranquilo. Esta frase forma parte del encantador cuento Genealogía del uruguayo Felisberto Hernández que inspiró, en parte, la propuesta curatorial de Noorthoorn y la puesta en escena de la artista, cineasta y diseñadora de exposiciones brasilera Daniela Thomas, convocada por la curadora. Como el círculo del conmovedor cuento de Hernández, la figura de la exposición emprendió un viaje a manera de peregrinaje a través de las obras de Roberto Aizenberg, Josef Albers, Ernst Barlach, Georg Baselitz, Thomas Bayrle, Joseph Beuys, Louise Bourgeois, John Cage, Alejandro Cesarco, Virginia Chihota, Tony Cragg, Salvador Dalí, Marina De Caro, Ernesto Deira, Juan Del Prete, Otto Dix, Jirí Georg Dokoupil, Marlene Dumas, León Ferrari, Lucian Freud, Héctor Giuffre , Alberto Greco, Katharina Grosse, Eva Hesse, Jörg Immendorff, Jiri Kolar, David Koloane, Ka?the Kollwitz, Guillermo Kuitca, Artur Lescher , Laura Lima, Anna Maria Maiolino, Marta Minujín, Piet Mondrian, Bernardo Ortiz, A. R. Penck, Gerhard Richter, Kurt Schwitters, Rosemarie Trockel, Max Uhlig, Kara Walker, Yente, entre otros artistas.

Las líneas que fluyen dentro de cada imagen, las líneas que vuelan de una imagen a la siguiente, animan el torrente dinámico de la exposición. «La línea de imágenes mentales no podía ser recta, dado que las líneas rectas sólo pueden ser producto de la razón. ¿Cómo hacer para que la estructura de la muestra honrase el espíritu de la exposición que, necesariamente, debía enrevesarse en función de las vueltas y meandros de la mente humana?», se preguntó Noorthoorn. La respuesta es un espacio en el que ha desaparecido la arquitectura y que presenta una amplitud a la percepción que se vuelve metáfora de la libertad de la mente creativa.




La libertad asociativa, una invitación también al espectador
Las imágenes de esta exposición sugieren entonces otro tipo de asociaciones a partir de esta propuesta espacial novedosa, que permite establecer convivencias impensadas, saltos inesperados, pasajes de pura poesía. Y el descubrimiento, en la medida que avanza el peregrinaje del propio visitante a la exposición, de diferentes paisajes que se abren aquí y allá, según la decisión que tome en cada momento de su camino. «A medida que nos adentramos en la exposición, podría pensarse que cada dibujo se funde o transmigra en el próximo, pero con un efecto acumulativo. La transformación y el movimiento que son el tema crucial de los turbulentos paisajes de Kurt Schwitters simbolizan el movimiento radical de la mente que le permitió a George Baselitz llevar a cabo su gesto subversivo de retratar el mundo cabeza abajo…», sostiene Noorthoorn. En tanto, «el impecable Mondrian realizó un guiño a Yente (Eugenia Crenovich) para que entrara en la exposición y desplegara su evidente pasión por el encuentro de las formas y por las mil maneras en que el lápiz puede encontrarse con el papel. Mientras que los colores de Alejandro Cesarco y de Mondrian estallaron desde sus confines para fluir en los dibujos de Katharina Grosse, los cuales no pudieron resistir la tentación de invitar a unos cuantos Gerhard Richter para ampliar la conversación».
Así la línea, que se desarrolla tranquila, que se despliega y crece, habla por momentos de nuestra existencia contemporánea, de nuestra soledad, introspección y necesidad de amor, así como de las ideas y vueltas del arte y los avatares del mundo, e invita al visitante a ser una parte ineludible, esencial, de su acontecer.




miércoles, 13 de agosto de 2014

VIERNES 15 DE AGOSTO


En el arte cristiano occidental, la Asunción de la Virgen es un tema tardío. 
En Oriente, se veneraba la Dormición de la Virgen, de la que tenemos grandes obras también en Occidente hasta la época del Barroco en el siglo XVII.

La Virgen tiene una actitud pasiva en la Asunción, no sube por sus propios medios sino que es subida, ascendida por las alas de los ángeles hacia el Paraíso. En algunas representaciones antiguas se reflejaba de dos maneras, la Asunción del alma y la Asunción del cuerpo.


En ocasiones, la Asunción se transforma en Ascensión, porque la Virgen no será elevada a los cielos por manos de los ángeles sino que en muchas escenas es la Virgen la que sube a los cielos, rodeada, como si fuera un cortejo, un acompañamiento solemne, de los ángeles.







El ejemplo más contundente de esta transformación iconográfica será la obra de Tiziano, un gran retablo de altar, pintado en 1518 para un convento veneciano. Parece que en el siglo XVII, se vuelve a la representación tradicional, por la que la Virgen es elevada a los cielos por los ángeles que la rodean y acompañan.



En esta iconografía de la Virgen elevada por ángeles encontramos bordados, relieves, miniaturas, tímpanos de portadas  y varias obras de pintores célebres como Masolino, Fra Filippo Lippi, Mantenga.

En la representación de la Virgen ascendiendo sola, las representaciones son más abundantes: Perugino, Tiziano, correggio, Durero, Guido Reni, Annibale Carracci, Rubens, Rembtrandt, Poussin, Murillo, Piazzetta, para citar los más relevantes.







La Asunción de la Virgen de El Greco es un óleo sobre tela, de grandes dimensiones, 401x229 cm. Fue pintada en el año 1577 y está en el Chicago Art Institute.


Fue la primera obra de El Greco en Toledo, para el convento de Santo Domingo. Obra magnífica, de gran riqueza cromática, con una ambientación misteriosa, etérea, una obra serena en la que los apóstoles comentan en grupo el suceso y los ángeles reciben en acto de adoración a la Virgen.

martes, 5 de agosto de 2014

INSCRIPCIÓN EN EL SEGUNDO CUATRIMESTRE-

INSCRIPCIÓN PARA EL SEGUNDO CUATRIMESTRE-


































Alumnos, recuerden que deben inscribirse en las cátedras cuatrimestrales del 2° Cuatrimestre para poder figurar en las listas.

Proyecto de Prácticas II y IV
Historiografía y Crítica del Arte.
Arte y Sociedad.
Educación Sexual Integral.
Enseñanza para la Diversidad.
Teorías de la Imagen
Lenguaje Plástico Visual..

NO SE INSCRIBE TELEFÓNICAMENTE.

miércoles, 16 de julio de 2014

RECESO INVERNAL

Desde el Lunes 21 de Julio hasta el Lunes 4 de Agosto estaremos de Receso, por lo tanto no habrá atención en Secretaría.

Los alumnos que deban anotarse para rendir exámenes el lunes 4 ( semana del 4 al 7 de agosto) pueden anotarse hasta este viernes de 8 a 16hs.

Recuerden que si no estan inscriptos no podrán rendir examen.
No se harán excepciones ni inscripciones telefónicas.


Pieter Brueghel El Joven - 1564-1638 “Paisaje de invierno con patinadores”. Tabla. 45 x 76 cm.
Museo del Prado- Madrid

















viernes, 11 de julio de 2014

LUMIÉRE- JULIO LE PARC EN EL MALBA


Julio Le Parc
(Nota compartida desde Fundación Constantini-Malba)


Nació en 1928 en Mendoza, Argentina, y se radicó en París en 1958. Es uno de los nombres clave del arte contemporáneo y uno de los pioneros del arte cinético. En los años 60, junto a sus colegas del Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV), Le Parc rompió radicalmente con la tradición artística que había prevalecido hasta entonces, alejándose de la obra pictórica estática y acercándose a una concepción dinámica, y con ello, al movimiento constante que impide la observación estática de la obra. En 1966 obtuvo el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia.
 Una selección de obras históricas del gran maestro argentino Julio Le Parc (Mendoza, 1928) pertenecientes a la colección Daros Latinamerica, Zúrich. La muestra se concentra en las experiencias cinéticas de Le Parc en torno a la luz, realizadas principalmente en los años 60.
A catorce años de su última gran retrospectiva en el país, Malba acerca nuevamente al público local el universo mágico de Le Parc, uno de los artistas argentinos más importantes del siglo XX, reconocido en 1966 con el Gran Premio Internacional de Pintura de la XXXIII Bienal de Venecia. Para esta exposición, en lugar de realizar otra retrospectiva del maestro, se decidió hacer foco en uno de los aspectos más importantes de la producción del artista: su preocupación por las alteraciones de la luz en movimiento.
La curaduría fue realizada por Hans-Michael Herzog, Director artístico y Curador de la Colección Daros Latinamerica; Käthe Walser, Curadora técnica de la institución y Victoria Giraudo, Coordinadora ejecutiva de curaduría de Malba. El público podrá disfrutar activamente de un conjunto de 17 instalaciones lumínicas, desplegadas en dos salas del museo, que suman 900 metros cuadrados. “Sus juegos de luz en movimiento modifican el espacio, lo recrean en forma permanente y al mismo tiempo lo disuelven, incluyendo al observador en la obra de arte total. La sustancia material básica de los múltiples aparatos mecánicos y máquinas lumínicas se transforma elegante y absolutamente en inmaterial”,explica Herzog.

Entre las obras emblemáticas y de gran escala presentes en la muestra se destacan el cilindro Continuel-lumière cylindre (Continuo-Luz, 1962); el móvil Continuel-mobil (Continuo-móvil, 1962-1996) y el penetrable Cellule á pénétrer (Célula penetrable, 1963 -2005), pieza multisensorial que el artista presentó por primera vez en la Bienal de París de 1963, como parte del laberinto L’ Instabilité (La inestabilidad) del Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV), grupo co-fundado por Le Parc en 1960 para investigar el movimiento a partir de la relación dinámica entre el espectador y el objeto artístico. 
Junto con sus colegas del GRAV, Le Parc propuso en los años 60 una ruptura con la tradición artística que había prevalecido hasta entonces, alejándose de la pintura y acercándose a una concepción dinámica de la obra de arte. El deseo de Le Parc era crear obras que estuvieran en perpetua transformación y en constante inestabilidad. Sus investigaciones científico-mecánicas resultaron en interesantes juegos azarosos de luces y sombras, en los que la participación del espectador completa la obra de arte con su presencia. 
En un mundo en el que todo está ordenado, Le Parc busca ofrecer al hombre la oportunidad de romper con su existencia reglamentada. Su intención es liberar al observador de su dependencia y hacerlo participar en la acción, integrándolo en una obra de arte total y sumergiéndolo en esa experiencia lumínica.
Esta exposición marca también el inicio del trabajo conjunto de Malba – Fundación .